Fomoromanzo è un titolo che, esattamente come aveva fatto quello del debut Nowhere Emilia, ha il merito di fissare con efficacia sintetica un concetto, un'epoca, nell'immaginario collettivo. Se ai tempi del primo disco era la provenienza geografica di Filippo Giglio, il suo muoversi in una regione fatta di spazi simbolici più che concreti, adesso è la contemporaneità ultra accelerata che stiamo vivendo, quell’ondivago muoversi costantemente di stimolo in stimolo, senza mai trovare una sintesi autentica, senza un giudizio vero che possa liberare ed aprire alla conoscenza di ciò che abbiamo davanti. 

Viviamo tutto, vogliamo tutto, non vogliamo perderci nulla, ma allo stesso tempo, paradosso supremo al tempo dell'iperconnessione, siamo sempre più disconnessi e isolati. 

Fomoromanzo mette insieme, all'interno di un gioco di parole dalla spiccata originalità, due elementi che apparentemente non hanno nulla in comune: la narrazione statica e fastidiosamente artificiosa delle riviste patinate, un modo di narrare ormai ampiamente superato dall’evolversi delle tecniche comunicative e, all'estremo opposto, ciò che di questa accelerazione comunicativa sembra rappresentare il simbolo più autentico: la paura, l'angoscia più probabilmente, di non essere presenti là dove avviene qualcosa di importante; che poi, quell’importanza è il più delle volte un'illusione, visto che ogni minuto, ogni secondo arriva un nuovo evento di cui sembrerebbe obbligatorio occuparsi. 

E così ecco che il terzo album dell'artista bolognese, che arriva a tre anni di distanza da Languore, viene descritto da lui stesso come “un disco sulla riproducibilità umana in un'epoca di emotività tecnica”; che, parafrasando il titolo del celebre saggio di Walter Benjamin, sembra voler proporsi un obiettivo quanto mai ardito: mostrare cosa ancora rimane di noi, della nostra natura, in un momento storico in cui non sembra più possibile esperire nulla senza l'ausilio di un qualche filtro digitale. 

E non c'è probabilmente niente di nuovo all'orizzonte, visto che sin dagli esordi Ibisco ha cantato questa dimensione della resistenza, che fosse ad una provincia grigia e spersonalizzante, o ad un’aridità sentimentale che rischia di lasciarci tristi e solitari. 

Pochi cambiamenti anche sul fronte musicale: se si eccettua il passaggio a Panico Dischi, la squadra di lavoro è sempre quella, con lui e Marco Bertoni a dividersi alla consolle, e il solo Filippo ad occuparsi della scrittura dei brani e di tutti gli strumenti coinvolti. Il mastering è poi stato affidato ad un nome importante come quello di Giovanni Versari, a garantire tutta la potenza e la resa sonora possibili. 

Si tratta ancora una volta di un grande disco. Il talento di Filippo, tra musica e testi, è ormai riconosciuto, si tratta probabilmente di uno dei migliori autori che ci sono in Italia, almeno nel campo delle giovani generazioni, trovare una consapevolezza ed una profondità come le sue non è per niente semplice. 

Nessuna deviazione dalla formula tradizionale, fatta dall'incrocio tra il repertorio cantautorale ed una Dark Wave di derivazione elettronica che col passare dei tempi riesce a farsi sempre più scura ed ossessiva, quasi a rispecchiare la cupezza dei tempi che stiamo vivendo. Si tratta di una dicotomia per certi versi improbabile ma che ha invece sempre funzionato benissimo, rappresentando perfettamente i due poli del conflitto incarnati dalla sua poetica: il claustrofobico scenario che abitiamo, e la disperata volontà che abbiamo di uscirne. 

Per cui se da una parte è vero che non ci sono mutamenti radicali nello stile e che il suo marchio di fabbrica rimane più vivo che mai, è altrettanto conclamato che i dieci brani che infila a questo giro sono di una bellezza e di una potenza tale che ancora una volta riesce a sorprendere. 

Dal beat cadenzato che apre “So bene come ti senti”, che poi puntualmente esplode in una melodia anthemica e cantabilissima, alla cassa dritta e al ritmo brutale di “Psichedelicamente”, un’orgia elettronica che raggiunge un'intensità raramente sperimentata nei lavori precedenti, passando per le fattezze da tormentone della title track, un pezzo semplicemente clamoroso nel suo hook melodico, o ancora il ritmo trascinante di “Prompt”, un brano che è forse fin troppo nella sua comfort zone ma che è talmente bello da far dimenticare ogni accenno derivativo; oppure ascoltatevi la ballata dal gusto baustelliano “Offline”, malinconico interrogativo su come mantenere autentiche le relazioni nel contesto virtuale odierno, che in parte va a braccetto con lo struggimento acustico di “Bologna centro”, uno di quei momenti in cui si capisce che anche lavorando di sottrazione si ottiene un risultato che sbalordisce per profondità. 

E se dobbiamo indicare qualcosa di inusuale, la “Tentacoli del cuore” in compagnia di Marta del Grandi (capolavoro il titolo, per come cita un po' ironicamente un grande successo radiofonico di un paio di decenni fa, guarda caso anche quello incentrato su un duetto maschile/femminile) mette insieme un beat leggero ed un'atmosfera particolarmente spettrale, nell'incontro tra quelli che sono senza dubbio tra i più grandi talenti compositivi oggi presenti in Italia (Dream Life è uscito a gennaio ma non dimentichiamocelo, per chi scrive è in scioltezza uno dei dischi dell'anno). Manifesto impietoso delle relazioni umane nell'epoca contemporanea, ma anche esempio di come si possa costruire su un intreccio di voci senza scadere nei luoghi comuni della faciloneria da hit. 

Nel finale, “Malizia delizia” sfiora l’EDM e ha quel gusto anni ‘90 che riporta alla mente le cose migliori dei Chemical Brothers, mentre “Restituire” si muove sul fronte opposto, spogliandosi di ogni orpello e lasciando in primo piano solo un pianoforte elettrico. 

Un disco per restare umani, un artista che firma un altro tassello nella costruzione di un'identità totalmente estranea ad ogni incasellamento. 

Ibisco è tornato e si spera che questa volta se ne accorgano veramente in tanti.